CULTURA CORPORAL -1º semestre/2017

1. O que pode ser a dança?            

2. “Uma” história da dança

3. Outras histórias da dança  

4. Sentidos contemporâneos da dança          

5. A dança na escola

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        Tendo em vista o primeiro tópico, Glaurea questionou a sala a respeito de como identificamos a prática corporal. Diante do questionamento surgiram diversas respostas como: movimento, ritmo, harmonia, estética, música, etc.

        Depois de apontarmos como identificamos a dança, a professora nos disse que considerou a concepção de que a dança é constituída por gestos, ou seja, movimentos que possuem significados e expressões e complementou dizendo que dançar é “deixar o corpo se expressar ritmicamente”.

Glaurea também comentou que toda prática corporal passa por um processo de (res)significação e que no primeiro momento da aula o foco seria para apenas uma das diversas histórias da dança, sendo assim destacou-se, de forma linear e progressiva, a dança cênica Ocidental, que são aquelas realizadas em palco. Dessa forma, conhecemos pontos característico da dança cênica em cada período histórico.

        Os primeiros registros que se têm sobre a dança são as pinturas rupestres, na qual o homem primitivo retratava a dança como um ritual mítico, religioso e mágico. Outra hipótese é de que a dança era tida como uma mera imitação dos animais.

Na Antiguidade, era atribuído um sentido religioso, mítico e profano à dança. Na Grécia ela era considerada sagrada e tinha forte ligação com o politeísmo, mas é importante destacar que também se difundiu no seu caráter educativo, dramático e de lazer. Já na Roma a dança sofreu um certo desprestígio, o que faz com que tenhamos poucas referências sobre ela.

Na Idade Média por conta da dimensão religiosa, ocorreu um processo de coibição. A Igreja combatia as práticas ao passo que os artistas de rua resistiam. Só depois é que a dança passa a ser reconstruída nos salões da Corte, o que gera um enobrecimento da prática. Na Modernidade a dança passa dos salões da Corte para os palcos, dessa forma, as “apresentações dessa época, ao mesmo tempo em que serviam de divertimento nas festas nos salões da elite, eram oportunidades em que se definiam as posições sociais, celebrando-se as relações de poder, sendo a dança da corte uma “metáfora” das relações políticas e sociais de uma trama bem ajustada de hierarquias”, que se estendeu pelos séculos XVI e XVII, passando do religioso ao político o cunho da dança” (GILTEMAN, 1998 apud ASSIS; SARAIVA, 2013, p. 306). Nesse momento o balé começa a se delinear e por conta do Renascimento a prática corporal se desenvolve. De início a dança era apenas para os homens e fazia parte da educação dos jovens da elite que tinham como objetivo aumentar o prestígio por meio das artes e da cultura.

        Somente depois ocorre uma ascensão do elemento feminino na dança, que se sucede por conta tanto do desprestígio pela qual a dança sofre nos períodos das revoluções, nas quais o corpo passa também a ser um instrumento de produção, quanto pela baixa remuneração da profissão, ou seja, ao momento em que o trabalho passa a ser um elemento central, até mesmo para a distinção social, os homens renunciam a prática, o que dá mais oportunidades às mulheres.

Nesse contexto também é possível observar a profissionalização da prática, a racionalização dos movimentos, a padronização, a sistematização, o enrijecimento técnico, o romantismo atrelado a imagem feminina na dança e a prostituição das bailarinas de menos destaque.

          Glaurea comenta que a dança contemporânea surge então num contexto de diversidade de formas, contextos, influências e experiências corporais.

         Na sua exposição das outras histórias de dança, Glaurea optou por trazer o candomblé, o maracatu, o forró. Ela também pontuou o quanto as danças de matrizes africanas passam por um processo de deslegitimação e preconceito.

Sobre o Candomblé, vimos que é um ritual para os orixás e que para os candomblecistas dançar também é praticar a religião. É importante destacar que essas danças também passam por ressignificações e que existe uma padronização, ou seja, ritmos e gestos específicos (xire). Foram destacados dois grupos o Ilú Oba de Min e Filhos de Gandhi.

         O Maracatu é um cortejo, que faz uma referência aos reinados do Congo, sendo assim, é uma dança que conta com os seguintes personagens: rainha, rei, dama do passo (que carrega a calunga, uma espécie de boneca), príncipes, vassalo (que carrega o pálio), batuqueiros e outras figuras da Corte. Existem dois tipos de Maracatu: nação ou de baque virado e o rural ou de baque solto. Neste último também tem a figura do caboclo de lança, que é um trabalhador do engenho.

Já o Frevo teve início com as rivalidades entre as bandas marciais de carnaval do Recife, que saiam junto com os capoeiristas. Vale destacar que antigamente a capoeira era proibida, então o frevo era um momento em que a luta era praticada na marginalidade. Chamava de frevo quando a música “frevia” (do ferver), ou seja, quando se acelerava o ritmo. Esse era o momento em que os capoeiristas com seus guarda chuvas, que se tornavam uma espécie de lança, começavam a lutar. Então podemos dizer que o frevo surge de uma luta.

          O Forró por sua vez é um gênero com diferentes ritmos (baião, xote, xaxado, pé de serra, universitário e eletrônico). Acredita-se que engenheiros ingleses promoviam festas no final do expediente e que essas reuniões eram chamadas pela expressão “for all” e que foi assim que o gênero surgiu. O fato é que sua origem agrega a ideia de festividade e lazer. Por ser formado por diversos ritmos, existem diferentes concepções a respeito das produções mais recentes. Os admiradores do forró nordestino mais tradicional acreditam que os outros ritmos descaracterizam o gênero, enquanto os que apreciam os ritmos mais atuais, acreditam ter ajudado difundir e comercializar o forró de um modo geral.

Depois de toda a exposição e discussão vimos slides sobre os sentidos contemporâneos da dança, que tinham imagens e pretendia discutir quem praticava determinada dança, onde e o porquê. Depois de observarmos e discutirmos algumas fotos que representava a dança zumba, o funk etc, finalizamos a aula.

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ASSIS, Marília Del Ponte de; SARAIVA,Maria do Carmo. O feminino e o masculino na dança: das origens do balé à contemporaneidade. Movimento, Porto Alegre, v. 19, n. 02, p. 303-323, abr/jun de 2013.

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